Qu'est-ce qu'un effet chorus ?

Les effets : qu’est-ce que c’est et qu’en font les musiciens ? Les effets sont omniprésents dans le monde de la musique et l’offre disponible est particulièrement riche et variée. Si vous avez du mal à faire votre choix, cet article a été rédigé dans le but d’offrir un guide à tous ceux qui font leurs premiers pas dans le domaine de la musique, où la technologie joue un rôle de plus en plus prépondérant. Nous aborderons ici l’effet chorus et les possibilités qu’il offre, ainsi que d’autres concepts liés à la création d’ensembles.

Un son avec de l’ampleur grâce aux ensembles

Quiconque a déjà assisté à un concert d’un orchestre symphonique a pu admirer et entendre de nombreux instruments à cordes. Un orchestre moyen en compte une soixantaine ! La raison principale est le volume. En effet, un violon seul ne produit pas un son très puissant, surtout lorsqu’il est confronté à la présence de cuivres et d’instruments à vent. Par conséquent, le fait que plusieurs violons jouent exactement la même partie permet d’équilibrer le volume des violons par rapport au reste de l’orchestre.

Cette pratique s’applique également aux altos, aux violoncelles et aux contrebasses. Toutefois, comme ces instruments sont de plus en plus grands, ils produisent également un volume plus important. C’est pourquoi les violons sont abondamment représentés et le nombre de contrebasses est généralement réduit. Les ratios pour les instruments à cordes sont généralement notés comme suit : 14:12:10:8:6, 16:14:12:10:8 ou 14:14:12:10:8 (et diverses autres configurations similaires). Autrement dit, dans la première configuration, il y a 14 premiers violons, 12 seconds violons, 10 altos, 8 violoncelles et 6 contrebasses.

En plus d’un volume plus important, un effet secondaire plutôt agréable apparaît. Comme les violons et les autres instruments à cordes frottées n’ont pas de frettes (contrairement à la plupart des guitares), de petites fluctuations se produisent. En effet, si vous déplacez votre doigt ne serait-ce que d’un millimètre sur la corde, vous obtenez déjà une longueur de corde différente – et donc une tonalité différente. Le vibrato n’est pas non plus identique chez tous les violonistes ; chacun le joue légèrement différemment, surtout si la partition prévoit que le vibrato soit progressif. Le résultat est qu’il y a, par exemple, 14 premiers violonistes qui produisent tous un son subtilement différent. L’ensemble donne un son avec de l’ampleur, chaud et très agréable, que l’on peut également qualifier de « laineux ».

En réalité, ce principe fonctionne pour la plupart des instruments de musique. L’effet est particulièrement évident et apprécié pour les cuivres (y compris les cors, les trompettes et les trombones). Tout se résume à un ensemble aux sonorités légèrement différentes. Cet effet est dû à la variation du son et de l’intonation, mais aussi au fait que chaque musicien a sa propre position au sein de l’orchestre. En effet, le son se construit en grande partie par rapport à l’acoustique de la salle. Chaque personne assise dans une position différente provoque des courants d’air et des réflexions différentes sur les murs, ce qui modifie (subtilement) le timbre.

Mais, cette théorie de l’orchestration est pour l’instant mise de côté.

Chorus

Cette histoire d’orchestre est évidemment bien belle, mais tout le monde ne dispose pas d’un orchestre chez lui, et encore moins d’une salle adéquate pour y placer tout le monde parfaitement. Il existe donc une solution pour simuler de façon acceptable cet effet. Cette solution est appelée « chorus », et l’appellation anglaise est en quelque sorte révélatrice puisque sa traduction est : « chœur ». En effet, la composition des chœurs fonctionne exactement de la même manière que la section des instruments à cordes de l’orchestre décrite dans notre exemple ci-dessus – la voix et la technique de chaque chanteur ont une intonation et un timbre uniques, ce qui donne un ensemble luxuriant et riche.

La technique

L’article précédent de cette série portait sur le delay, et abordait le fait qu’un delay et un chorus ont beaucoup en commun. Lisez cet article pour connaître le principe des têtes de lecture et des buffers. Un chorus numérique implique également un buffer dans lequel le son source séjourne temporairement. Ce buffer est lu par une tête de lecture qui peut se déplacer à une vitesse variable. En conséquence, la tonalité du son dans ce buffer fluctue, ce qui donne l’effet d’un vibrato joué par un musicien supplémentaire. Avec plusieurs buffers (donc plusieurs lignes de delay), vous simulez un ensemble plus important. Si toutes ces lignes de delay sont séparées en termes de positionnement spatial et que chaque delay dispose de sa propre vitesse et profondeur de vibrato, vous obtenez une approximation raisonnablement satisfaisante, par exemple, d’un ensemble d’instruments à cordes.

Les produits

Comme déjà indiqué dans l’article sur le delay, la technologie employée n’est pas très complexe. Il est donc possible de se procurer un chorus pour une trentaine d’euros. Behringer propose un modèle dans cette gamme de prix avec l’UC200 Ultra Chorus, mais celui de Fazley (CHR-01) est encore moins cher. Aussi avec les multi-effets les plus imposants, vous trouverez généralement un chorus parmi les options. Les logiciels sont également pratiques et flexibles. Les logiciels DAW comprennent généralement un pack d’effets, avec un chorus en plus d’effets tels que delay et reverb.

Alternatives au chorus

Aussi agréable que cela puisse paraître, et aussi bon que soit un algorithme de chorus, il y a un point sur lequel il diffère d’un véritable ensemble. L’effet est basé sur une source unique, et à cause de la vitesse régulière du vibrato, l’effet peut avoir un caractère statique. Avec plusieurs lignes de chorus (c’est-à-dire des lignes de delay), ce caractère statique peut être quelque peu masqué, mais en général, un chorus dans une pédale d’effet n’est pas très élaboré. Pour obtenir un bon son d’ensemble avec des instruments de musique et des équipements, il faut adopter une approche différente.

Ensemble authentique

L’approche la plus logique est, bien sûr, de constituer un véritable ensemble. Toute personne disposant d’un micro et, par exemple, d’un djembé peut créer son propre ensemble de djembés en enregistrant plusieurs fois la même partie de djembé. Il est alors conseillé de laisser le micro en place et de s’asseoir dans une position différente pour chaque enregistrement. Vous simulez ainsi plusieurs interprètes qui occupent chacun leur place. Tous les petits écarts dans la force de frappe, l’emplacement et le timing créent rapidement un son grandiose. Il est recommandé de travailler avec un micro stéréo, ce qui permet de bien saisir le positionnement acoustique.

C’est également possible avec les trompettes. Par exemple : jouez quatre fois la même chose et vous obtiendrez un ensemble de trompettes. Il y a toutefois une nuance : l’interprète, avec la tension de ses lèvres, a une influence considérable sur le son. Bien sûr, le son sera toujours celui d’une trompette, mais quatre trompettistes différents produisent collectivement un son légèrement différent de celui d’un seul trompettiste jouant quatre fois la même chose. Tout dépend de la tension des lèvres, mais aussi de l’instrument lui-même (et de l’embouchure, qui est souvent un choix personnel).

Naturellement, il en va de même pour tout instrument où la façon dont le musicien bouge physiquement a une influence directe sur le son. Même la taille de vos mains aura un effet subtil sur le son d’un tambour. Le mouvement physique du musicien sur un instrument tel qu’un piano ou un clavecin n’aura pas un effet aussi perceptible, puisqu’il s’agit d’un mécanisme qui se déclenche pour frapper les cordes internes. Il est donc moins judicieux d’empiler ce type d’instruments pour tenter de créer un ensemble.

Avec les guitares, il est beaucoup plus facile de créer un son avec de l’ampleur. Il s’agit en réalité d’une astuce d’enregistrement courante appelée « double tracking », et qui consiste pour le guitariste à enregistrer deux fois la même partie et, au moment du mixage, à placer l’un des enregistrements à droite et l’autre à gauche de l’image stéréo pour créer un son de guitare magnifiquement large.

Pourquoi un chorus ne fonctionne pas ici

Même avec le meilleur chorus qui soit, vous ne parviendrez jamais à transformer l’enregistrement d’un violon unique en un son grandiose d’un ensemble de violons. Plusieurs facteurs entrent en jeu, dont certains ont déjà été mentionnés : de subtils écarts de tonalité, un vibrato personnel, de subtiles différences de sonorité entre les instruments et le placement acoustique.

En réalité, l’interprétation du musicien a une influence encore plus importante, y compris en ce qui concerne le timing. Par exemple, que fait le musicien lorsqu’il passe d’une note à l’autre ? Est-ce qu’il fait un glissando ou non ? Le musicien adopte-t-il immédiatement la bonne intonation ou doit-il se corriger rapidement après coup ? Toutes ces différences font qu’un son est vivant. Quelle que soit la qualité d’un algorithme de chorus, il ne sera jamais plus qu’un outil mathématique. L’imprévisibilité humaine est encore trop complexe pour être recréée par la plupart des logiciels. Ou plutôt, les programmeurs et les développeurs de logiciels ne s’y intéressent pas beaucoup pour l’instant – malheureusement.

« Mais attendez, mon synthétiseur sonne tout de même bien avec un chorus »

C’est juste, mais lorsqu’il s’agit de synthétiseurs, le chorus est assez étroitement lié au concept, et même dans ce cas, il ne fonctionne vraiment que lorsqu’il est appliqué à des sons spécifiques. Le son synthétique d’une onde en dents de scie et d’un chorus sonne simplement bien. De plus, nous savons déjà à quoi doit ressembler un ensemble d’instruments à cordes : à un véritable ensemble, et non à un simple violon poussé par un effet de chorus. En ce sens, le contexte est essentiel.

Synthèse sonore

Tous ceux qui maîtrisent déjà un tant soit peu les possibilités offertes par les synthétiseurs peuvent opter pour une approche complètement différente, mais le succès de cette approche dépendra fortement des options disponibles sur votre synthétiseur.

Pour faire simple : un effet chorus est une solution très facile pour simuler le son de plusieurs musiciens à partir d’une seule source. Cependant, avec un synthétiseur, vous pouvez concevoir un son d’ensemble qui ne nécessite pas de chorus du tout. En d’autres termes : quiconque souhaite créer un ensemble de huit musiciens à l’aide d’un synthétiseur doit travailler avec huit sources sonores. Il peut s’agir de huit oscillateurs ou de huit parties multi-timbrales. La manière dont cela fonctionne précisément varie d’un synthétiseur à l’autre.

L’objectif principal de la synthèse sonore est de créer un son aussi « humain » que possible, ce qui signifie qu’il s’agit de doter le son de fluctuations continues de hauteur, de timbre, de volume, de timing et de longueur. Bien que le placement acoustique soit également l’un des éléments essentiels de tout son, il est peu probable qu’un musicien court tout en jouant, de sorte que l’ajout de fluctuations de placement acoustique dans le son de votre synthétiseur ne donnerait pas vraiment un résultat réaliste.