Combiner la musique classique et la musique pop – Ce qu’il faut faire et ne pas faire

Pachelbel et O Fortuna

Le Canon de Pachelbel en ré est le thème classique le plus utilisé dans la musique pop. Il s’y prête d’ailleurs très bien. En termes simples, il s’agit d’improviser sur un thème de basse. Il s’agit d’une pièce de l’ère baroque composée pour trois violons et une basse. La basse répète un thème de huit notes sur deux mesures (l’ostinato). Le premier violon commence après deux mesures, le deuxième après quatre et le troisième après six. Les trois violons jouent la même partie. Ce morceau est un succès dans les mariages et peut être interprété dans une variété infinie de contextes pop. L’utilisation du grandiloquent O Fortuna, qui fait partie de la cantate Carmina Burana, est également très populaire. Carmina Burana est une série de poèmes médiévaux mis en musique par le compositeur allemand Orff dans les années 1930. L’œuvre s’ouvre et se clôt sur O Fortuna. Fortuna est la déesse du destin. La musique a un caractère dramatique. Les percussions vont crescendo, accompagnées par les cordes et les cors qui jouent des notes brèves. Le morceau, qui dure jusqu’à deux minutes et demie, se termine par une longue note puissante et s’achève brusquement. Ozzy Osbourne a utilisé O Fortuna au début de ses concerts. Le groupe Epica l’a enregistré en direct avec un grand orchestre pour l’album The Classical Conspiracy. Les producteurs de hip-hop et les rappeurs l’adorent et la samplent à l’envi. Si souvent, en fait, que les héritiers d’Orff n’arrivent plus à suivre. Dans les années 1990, ils ont interdit une version dance de la « chanson ».

Créez votre propre composition symphonique

Créez votre propre mélange explosif de classique et de pop. Vous pouvez faire les choses en grand et créer un morceau dans la tradition du rock symphonique. Ingrédients : une bonne idée et des musiciens virtuoses. Vous avez peut-être quelques chansons qui traînent et qui ne sont pas terminées. Combinez-les et écrivez-en les paroles en vous inspirant d’une expérience particulière ou d’un grand livre que vous avez lu. Étudiez (sur l’internet) les progressions d’accords utilisées dans le rock symphonique. Composez une intro instrumentale qui se termine en crescendo. Créez quatre parties d’environ cinq minutes chacune. Veillez à ce que le contenu et la structure de la troisième partie soient complètement opposés à ceux des trois autres. Laissez les claviers et les guitares s’affronter vigoureusement. Il ne faut pas que cela devienne ennuyeux. La virtuosité, le tempo et les changements de thème sont importants. Trop de répétitions sont mortelles. Les contrastes sont importants pour rendre l’histoire musicale intéressante : sans amertume, pas de douceur, sans obscurité, pas de lumière. Pour vous faire une idée, écoutez Close to the Edge du groupe britannique Yes, datant de 1972. Cette composition de plus de 18 minutes et demie est considérée comme l’une des icônes stylistiques du rock symphonique. La composition est basée sur le livre Siddharta de Herman Hesse. Il s’agit du voyage spirituel d’un jeune homme à l’époque de Bouddha. Siddharta signifie : celui dont le but a été atteint. Si l’objectif était d’écrire une composition de rock symphonique, Yes a absolument réussi. Close to the Edge a la structure d’une symphonie classique et se compose de quatre mouvements. Les deux premières parties présentent l’histoire, tandis que la troisième partie est celle du développement. Ce troisième mouvement contraste fortement avec les autres. La quatrième partie est une sorte de résumé où tout se recompose. Yes joue une figure (pseudo) baroque en do majeur à la fin du deuxième mouvement, avec un orgue à tuyaux jouant une version transformée du thème de Close to the Edge. Dans la troisième partie, un orgue d’église joue deux fois un interlude et conclut par une fanfare. La pièce comporte un grand nombre de changements de tonalité et diverses signatures de temps. Il y a de la polyrythmie, le sitar électrique jouant en douze-huit et la basse et la batterie en quatre-deux. Certaines sections des paroles sont répétées, mais toujours avec une variation de contenu. Le guitariste Steve Howe joue sur Close to the Edge avec un sitar électrique Coral, entre autres.

Entretien avec le compositeur Gertjan Eldering

Au début, il pense encore que le morceau consiste en des extraits des Quatre Saisons de Vivaldi, mais les applaudissements finaux montrent clairement que le groupe Epica joue son morceau Presto en direct avec un orchestre classique en chair et en os. « C’est incroyable comme l’orchestre est parfaitement synchronisé « , estime Eldering. « Les musiciens devaient porter des écouteurs avec un métronome battant la mesure.” Il fait un rapide calcul : 140 battements par minute, en continu et malgré ça tous parfaitement synchronisés. Et cet arrangement avec orchestre passe parfaitement avec la version métal d’Epica. Lors de l’exécution d’un morceau classique, un orchestre n’a jamais un rythme aussi soutenu sur le temps. D’ailleurs, à 170 battements par minute, la composition originale de Vivaldi est plus rapide que la version d’Epica. Un tempo plus lent est nécessaire pour adapter le morceau à l’univers du métal. Au passage, la hauteur du sol mineur a été augmentée d’un demi-ton et l’orchestre joue donc en sol dièse mineur ». Selon Eldering, il s’agit d’un coup de pouce aux guitaristes du groupe. Epica a choisi la section la plus féroce des Quatre Saisons. L’orchestre reprend « l’orage de grêle » de la section “Été”. L’orchestre joue la partition originale en signature trois-quatres et, comme nous l’avons dit, à un rythme plus lent et dans une tonalité plus aiguë. Le groupe joue par-dessus. Il ne fait aucun doute que la grêle tombe du ciel en trombe. Si cet orage de grêle musical avait été une véritable perturbation atmosphérique, de nombreux spectateurs auraient dû faire appel à leur assurance pour les bosses sur leur voiture. En tant que compositeur classique, Eldering ne peut s’empêcher de conclure que l’œuvre de Vivaldi, enchaînée au rythme carré du métal, a été « aplatie ». Selon lui, la nécessité d’incorporer l’œuvre de cette manière ne marche pas du tout. L’utilisation d’éléments classiques dans la musique pop est une question de valeur ajoutée. Dans le cas présent, qu’apporte la partie classique ? Eldering estime qu’il est plus créatif d’intégrer de courtes citations de musique classique dans une chanson pop : « En tant que groupe, il peut être tout à fait adéquat d’en faire son propre morceau ».

Chanson à l’eau de rose

Les citations ne manquent pas lorsqu’il s’agit du Canon en ré de Pachelbel. La première partie de cette série en deux parties a déjà couvert l’œuvre en détail. Voyons maintenant ce qu’Aerosmith a fait de ce joyau de la musique classique le plus cité, dans sa chanson Crying. Eldering ne mâche pas ses mots : « Ils l’ont transformée en une véritable chanson à l’eau de rose ». Le rythme très lent de trois-quatre temps a été converti en un rythme de six-huit temps pour rendre le morceau plus entraînant. « Si vous écoutez attentivement, c’est essentiellement du Jean-Jacques Goldman. La première ligne des paroles que le groupe a créées sur l’arrangement dit tout : « There was a time when I was so broken hearted.” (“Il fut un temps où j’avais le cœur brisé.”) A part cela, il s’agit de répéter la progression d’accords de base (même légèrement simplifiée par Aerosmith) à la guitare sous forme d’arpèges (accords brisés). Le Canon en ré de Pachelbel est comme un mouvement perpétuel. La version originale comporte un basso ostinato, c’est-à-dire une ligne de basse qui se répète continuellement en jouant des accords. Trois violons jouent les mêmes lignes mélodiques l’une après l’autre en canon. Cette configuration caractéristique, à savoir la répétition de la basse et des accords, convient parfaitement à la musique pop. Il existe donc d’innombrables arrangements de cette progression d’accords spécifique pour une grande variété de formations.

De la ballade hard rock au hip-hop. Mike Skinner du groupe The Streets a emprunté au compositeur Bartok et à son Concerto pour orchestre de 1943 pour sa chanson Same Old Thing. Le concerto est chargé d’une atmosphère sinistre qui a tout à voir avec la Seconde Guerre mondiale et les circonstances personnelles du compositeur, qui avait fui les nazis et était arrivé sans un sou aux États-Unis. Et Skinner a extrait précisément trois notes essentielles de cette pièce de quarante minutes. Trois notes qui dictent l’atmosphère générale de cette composition, même dans sa propre chanson. Il s’agit du ré, du mi bémol et du la. L’intervalle dissonant (trois tons entiers) entre le mi bémol et le la est particulier. Cet intervalle, le triton, a ce qu’ Eldering appelle une atmosphère lugubre (indéterminée). Bref, une citation qui a été réfléchie, et probablement que le compositeur de hip-hop n’a pas écouté d’abord le concerto de Bartok et s’est contenté de télécharger un échantillon des notes en question, mais avec une oreille créative. Selon Eldering, il s’agit là d’un bon exemple d’utilisation judicieuse d’un échantillon classique. « Ce choix exprime quelque chose et ajoute de la valeur à votre propre composition. Même si, bien sûr, cela n’a plus rien à voir avec la musique classique.

Figures de gammes

C’est très difficile à expliquer », déclare le guitariste suédois Yngwie Malmsteen pour expliquer la complexité de son morceau instrumental Arpeggios from Hell. Il s’agit de « beaucoup de modes et d’octaves différents », dit le guitariste en finger-picking à propos des mélodies classiques qu’il envoie sur sa stratocaster quelques instants plus tard. Le compositeur de Nimègue n’hésite pas à conclure. Malmsteen donne l’impression que tout cela est plus compliqué qu’il ne l’est. « C’est assez intelligent. Seulement, ce ne sont pas des arpèges, mais des figures de gammes. Il les joue en mi bémol majeur et en fa mineur. » Ce qui est particulièrement étonnant, c’est la vitesse à laquelle il joue. Malmsteen renvoie ainsi au compositeur Paganini, qui l’a influencé dans sa jeunesse. Eldering : « Paganini et Liszt représentent dans l’histoire de la musique la haute romance, où l’accent était mis sur l’expression individuelle et la virtuosité.” Un autre virtuose intéressant, le claviériste et arrangeur Rick van der Linden, décédé en 2005. Van der Linden, diplômé du conservatoire avec louanges pour toutes sortes de choses, a fait ses débuts en 1969 avec le groupe Ekseption et le tube The Fifth, qui comprenait des citations de la Cinquième symphonie de Beethoven en guise d’in- et d’outro. Dans la partie centrale de The Fifth, il joue au piano un extrait du premier mouvement de Mondscheinsonate, également de Beethoven. Entre les deux, il y a un riff de rhythm & blues dans une signature de temps à cinq-quatre inhabituelle pour la musique pop. Ensuite, les cuivres, accompagnés par les accords répétés Do mineur/Si bémol/La bémol/Sol, jouent une interprétation jazzy du motif de la « Cinquième ». Cette chanson était novatrice à l’époque et a permis au groupe de dépasser les frontières des Pays-Bas. Eldering pense que les cors auraient pu être « plus pointus ». Le ‘tèttèttèttètèè’ lui semble plutôt plat.

Cordes plates

Et cette platitude est le grand danger de la transposition du classique au pop. Le compositeur le relève dans les exemples d’Epica, d’Aerosmith et d’Ekseption, et il cite lui-même un autre exemple : Sting with Russians. Dans cette composition, Sting cite le morceau Lieutenant Kijé de Prokofiev, mais il utilise les sons d’instruments à cordes d’un synthétiseur. « Des cordes plates des années 1980 », explique Eldering, qui ajoute que les possibilités techniques sont bien plus grandes aujourd’hui. Il n’en reste pas moins que les cordes provenant d’un ordinateur ou d’un synthétiseur sonnent « plates ». « Elles n’ont pas le caractère naturel que tout vrai instrumentiste à cordes produit sur son instrument. Avec un son d’archet, chaque départ est différent. En outre, toutes sortes d’éléments contribuent au caractère du parcours de chaque son : pensez au degré de vibrato, à l’utilisation de l’archet et aux différences de dynamique. Dans la musique composée et interprétée par ordinateur, diverses modifications sont nécessaires par la suite pour que les instruments sonnent de manière naturelle. Pour appliquer ces modifications, le créateur doit donc savoir exactement comment ils sonnent et à quel moment. Ce n’est pas une mince affaire pour ceux qui veulent composer et jouer eux-mêmes des parties classiques. L’utilisation d’échantillons prêts à l’emploi, facilement téléchargeables sur l’internet, est beaucoup plus facile.